¿Quieres escribir un proyecto animado? Esto es lo que debes saber
El mundo de la animación nos ha dado películas y series inolvidables. Desde extravagantes las caricaturas clásicas de nuestra infancia, hasta las mejores series de comedia y acción para adultos que hay disponibles. La animación permite a los creadores explorar más allá de lo que es posible en la acción en vivo. Pero, ¿qué necesitas saber si quieres escribir tu propio proyecto animado algún día?
Para escribir un proyecto animado existen 3 pasos para escribir cualquier proyecto animado: la premisa, el outline y el resultado final que es el guion. Empecemos con la premisa.
La premisa
Es una versión corta de lo que va a tratar el episodio, generalmente de media a tres páginas. La historia debe incluir el inicio, medio y final de la historia sin muchos detalles.
Para los guionistas la premisa tiene dos objetivos, contar la historia y vender la historia. Así que la premisa de tu guion debe ser de la mejor calidad posible y su característica más importante es mantenerse corta. Haz que cada palabra cuente. No repitas ideas, no adornes con adjetivos innecesarios y nunca olvides el contexto de la serie animada. Todos los episodios deben de tener una consistencia y ser coherentes con el mundo en el que suceden.
¿Cómo escribir una la premisa de un proyecto animado?
Haz que la premisa sea lo más corta posible, pero lo suficientemente larga como para contar tu historia completa. La originalidad es tan importante como la extensión. Es difícil escribir una historia que nunca hayamos visto, pero puedes hacer que una idea familiar se sienta diferente modificando algunos de sus elementos. Diferentes personajes, diferentes ambientes, diferentes enemigos. Cambiar un par de cosas en una historia que ya has visto puede darle el toque necesario para hacerla sentir como nueva.
La animación para television o streaming tiene muchos formatos, pero el más popular es el de episodios de media hora. Los episodios animados tienen generalmente un formato de 30 minutos y para escribirlo se sigue un proceso básico de tres pasos. La premisa, el outline y, el resultado final. En esta ocasión nos concentraremos en cómo se escribe y estructura una premisa de un proyecto animado, y cómo este primer paso define la historia de un guion.
Todo empieza con tu historia. A la hora de escribir la premisa de un proyecto animado debes de intentar hacer lo siguiente.
- Crear una historia tan original y creativa como te sea posible.
- Que la historia funcione dentro del formato de la serie (ósea con los demás episodios) y sea fiel a los personajes (es decir que sea consistente con el universo que creaste).
- Debe tener elementos familiares para la audiencia ( chistes, situaciones cómicas, referencias a cultura popular).
- Con esto presente, puedes comenzar a definir la trama de tu historia principal. ¿Cuál será el conflicto? ¿Qué deberá resolver tu personaje(es) principal? ¿Quién será la fuerza antagonista? Recuerda escribir cada parte de la trama considerando cada uno de los puntos anteriores.
Subtrama o B-plot
Con esto definido lo que sigue es definir la subtrama o historia secundaria. La subtramas es usualmente una historia paralela a la historia principal que ayuda a crear conflicto para la historia principal. Así que a la hora de definir qué pasara en esta historia paralela recuerda que debe no solo estar ligada a la historia principal, sino que debe complicarla. Los personajes son los que hacen las historias complicadas, así que busca dentro de los personajes secundarios o terciarios. Así como tu historia debe ser lo más creativa y original posible, tu subtrama debe cumplir con los tres puntos que te comentamos previamente.
Personajes recurrentes
Parte importante a la hora de escribir la premisa de un proyecto animado es incluir elementos recurrentes de tu historia, entre ellos los personajes de soporte. No olvides incluirlos ya sea en la historia principal o en la subtrama.
Estructura y formato
Una premisa tiene un formato y estructura bastante simple. Escrita en prosa, solo debes incluir el nombre de la serie, el título del episodio y el autor. Recuerda que la premisa debe ser corta, así que no debe tener más de una página con un espaciado doble. Sin embargo, si la premisa va a ser leída por inversionistas o productores, tienes que incluir más detalles.
En cuestión de estructura, una premisa es una historia, entonces tiene un inicio, un medio y un final. Aunque como estamos de escribir la premisa de un proyecto animado episódico, no es necesario escribir el final. Le da un toque de misterio, y al ser parte de una serie, la audiencia sabe qué esperar. Sabemos que los héroes van a vencer al enemigo del episodio, lo emocionante es ir descubriendo cómo lo harán.
Tips para escribir tu premisa:
- Haz que tu título sea pegajoso.
- Engancha al lector, o audiencia potencial desde tu primera oración.
- Establece al protagonista, el villano, el conflicto y el ambiente desde el primer párrafo
- Utiliza emociones comunes. Incluye actitudes y personalidades en tus personajes con las que el público pueda identificarse.
- Pon tu propia personalidad en la premisa. Agrega una broma o dos. Sin diálogo.
- Escribe en tiempo presente.
- Usa verbos fuertes.
- Revisa la ortografía y la gramática.
- Haz que tu premisa sea divertida de leer. Asegúrate de ser claro, específico y preciso. Recuerda que el propósito de una premisa es vender tu idea.
El outline
Un outline es una historia completa en el que se define cada escena que estará dentro del guion final, es un paso esencial para escribir un proyecto animado.
En el outline se amplía la premisa de tu historia para estructurarla de forma completa. El outline es un plano o una descripción narrativa de la acción que permite analizar tu historia antes de que se apliquen elementos como la acción y el diálogo. Con sólo escribirlo te darás cuentas de detalles de la historia que no serían evidentes sin él.
Un outline te ayudará a indicar cada escena y marcar el ritmo de tu historia. Por supuesto, no existe una receta mágica sobre cuánto debe incluir en un outline, pero incluso el plan más rudimentario debe contener estos cinco elementos básicos:
- El protagonista y su objetivo
El elenco de apoyo y lo que cada uno quiere
Los cinco puntos principales de la trama
El orden de los eventos, secuencias y divisiones de actos
Una lista de escenas que crees que ayudarán a contar la historia
Consejos para escribir tu outline:
- Escribe en tiempo presente
- Sugiere ángulos de cámara
- Incluye un poco (muy poco) de buen diálogo
- Enfatiza la acción en lugar de la descripción
Parte importante del outline, son los beats. En la industria cinematográfica, la palabra beat tiene diversos significados. En en el contexto de un guion beat es sinónimo de escena. Un outline para un episodio de media hora suele tener entre 15 y 25 beats, y debe ser de entre 10 y 20 páginas. Las escenas o beats pueden durar entre 5 segundos hasta 3 o 4 minutos. Usar diálogo no es necesario dentro del outline pero es aceptado. Checa este template para escribir el outline de un guion.
¿Qué es un beat?
Para escribir un proyecto animado debes empezar por los elementos básicos de una historia, en este caso son las escenas o, como muchos escritores las llaman, los beats. Antes de comenzar a escribir tu outline, debes determinar cuáles son los beats que tiene tu historia. El beat de una historia es una descripción corta de lo que incluye una escena. Un beat le da a cualquier escritor toda la información que necesita para conectar cada escena independiente en un guion coherente y unificado.
Los beats son lo que le dará a tu historia una estructura definida, son la columna de tu outline y consecuentemente de tu guion.
Generalmente e un un episodio animado de media hora, se necesita entre quince a veinticinco beats, dependiendo cuánto desarrolles cada uno. Recuerda siempre incluir más beats de comedia que de acción.
¿Cómo escribir los beats de un guion?
Comienza definiendo los momentos que no pueden faltar en la historia. Parte de la premisa que ya desarrollaste; cada momento que está escrito en la premisa, es un beat que debes considerar en tu guion. Para hacer este paso más sencillo puedes dividir tu premisa en renglones y numerarlos. Usando esta lista como guía te será mucho más sencillo definir qué debe tener cada escena y las escenas que faltan para conectar cada beat de la premisa. Cada acción que ya tengas contemplada (casi) siempre tendrá una consecuencia en tu historia. Esas consecuencias son beats esenciales que no debes dejar fuera.
Qué no dejar fuera
Lógica
A la hora de escribir un elemento esencial para tu trama, es la lógica. Para que una historia sea buena debe tener sentido. Es por eso que en un buen guion las escenas deben de crear un efecto de causa y efecto/resolución. En tu guion cada escena debe seguir lógicamente la escena que la antecedió. Debe haber una coherencia entre las los personajes y sus valores y las acciones que realizan. ¿Qué los está motivando? ¿Qué problema van a resolver? Todas estas respuestas deben de ser lógicas.
Dinamismo
Hay otras cosas que no puedes dejar de tu historia, el movimiento es una de ellas. El movimiento (de los personajes, de la historia en sí) crea interés. Mantén tus elementos en movimiento e intenta ser impredecible. Una forma de mantener tu historia dinámica es que tu guion se vaya moviendo entre su trama principal y sus subtramas.
No termines tus escenas
Parte de mantener tu historia interesante y en movimiento es la incertidumbre. Es por eso que dejar tus escenas inconclusas o comenzar una mientras la otra va a la mitad o en el inicio va hará tu guion más interesante.
Una historia puede escribirse de mil y un formas, dependiendo del escritor. No importa cuál sea tu estilo, lo importante es que como guionista entiendas la estructura básica de una historia y ser capaz de visualizarla beat por beat. Considera también que para escribir un proyecto animado, el guion debe ser lógico, dramático, cómico, emotivo y por supuesto entretenido. Ya que hayas definido y ordenado los beats de un guion, estarás listo para comenzar con el outline de tu guion.
El producto final: el guion
El último de los pasos para escribir un proyecto animado es el guion. Con el outline terminado lo que sigue es escribir el guion del episodio. Los guiones se escriben en un formato especial, definiendo cada una de las escenas de la historia a través de:
- Descripciones físicas de los ambientes y cada una de las acciones
- Diálogos
- Ángulos y movimientos de cámara
- Este es el proceso básico para escribir el guion de un episodio animado. Aunque en realidad tanto el proceso como el formato del guion para cualquier proyecto animado tienen la misma estructura.
En general escribir un guión de animación con formato profesional es prácticamente lo mismo que escribir uno de live-action. La gran diferencia entre uno y otro es que para un guion de animación tienes que describir cada momento de cada escena de la forma más clara y detallada posible.
En ambos procesos debes comenzar por escribir la premisa de la historia, que describe el principio, el medio y el final de la historia. Después sigue el outline, que presenta cada escena, incluida todas las acciones y los gags. El último paso es el guión, que lleva las descripciones completas de todas las escenas junto con los diálogos.
Estructura
En cuestión de estructura, ambos guiones utilizan el mismo formato. Así es, en la industria hay un formato estándar para escribir guiones. Los guiones que conocemos son la evolución de los libretos teatrales a los que se le fueron incorporando los elementos específicos del medio audiovisual, como los diálogos cuando las películas comenzaron a tener sonido. Entonces los guiones se redactaban en máquinas de escribir y se utilizaban tal cual salían de la máquina. A pesar de todos los programas que existen actualmente para escribir, los guiones siguen manteniendo ese aspecto de máquina de escribir.
En concreto los guiones están escritos con la tipografía Courier a tamaño de 12 puntos. Su origen está en la máquina de escribir más popular de IBM, la Selectric II, y pronto se convirtió en la tipografía por defecto en Hollywood. Después de introducir un poco qué es el formato profesional de un guion, continuemos con los elementos específicos y necesarios que debe tener para que el crew lo entienda.
Escribir un proyecto animado
Si quieres ser escritor para animación, primero tienes que decidir qué tipo de caricaturas quieres escribir. Para eso es bueno considerar los formatos, medios, audiencias y otras variables populares dentro de la industria. Te compartimos el resumen de los medios, formas, géneros y técnicas de animación más comunes:
Animación:
- 2-D: La mayoría de las animaciones 2D todavía son dibujadas por un animador, pero se utiliza software digital para acelerar el proceso
- 3-D: modelar digitalmente un personaje, esculpirlo a la perfección y darle un esqueleto que se pueda mover y manipular
- Claymation: se esculpen personajes y ambientes de plastilina o algún tipo de arcilla, y se fotografían cuadro por cuadro.
- Paper Cutout
Géneros:
- Acción-Aventura: no solo las secuencias de acción que se ven en el género de acción, sino que las tramas continúan en una aventura que lleva a los personajes en un viaje literal o de introspección.
- Acción-Comedia: combinan situaciones cómicas y acción donde los personajes siguen una trama emocionante.
- Anime: coloquial para la animación japonesa y se refiere específicamente a la animación producida en Japón.
- Comedia: La comedia de animación es sobre todo visual con muchos chistes visuales. Utiliza el movimiento y hace un mal uso de las leyes de la física. La comedia es exagerada y, a menudo, ilógica. El diálogo puede ser inteligente con respuestas, humillaciones, juegos de palabras, rimas o aliteraciones. Los títulos son divertidos.
- Drama: historias con mucho en juego y muchos conflictos. Se basan en la trama y exigen que todos los personajes y escenas hagan avanzar la historia
- Educacional: son historias principalmente dirigidas para niños y producidas con el propósito específico de fomentar el aprendizaje.
- Musical: Como en su contrapartes en el teatro o live-action son historias en las que en ciertos puntos los personajes cantaban números musicales que resonaban con el tema general del momento.
- Preescolar: Diseñado para niños. El propósito de estos programas es principalmente para entretener o educar.
- Ciencia ficción: Es un género amplio que además incorpora subgéneros que van desde Steampunk hasta Cyberpunk, pasando por Space Opera.
- Sitcom: es un género de comedia centrado en un conjunto fijo de personajes que en su mayoría se transfieren de un episodio a otro. South Park, Los Simpson y Padre de familia son tres de las comedias animadas de mayor duración.
Tipos de distribución:
- Películas
- Televisión
- Directo a video
- Internet
- Audiencias:
- La animación para adultos no necesariamente debe ser clasificación R. “Para adultos” significa más bien “no para niños”.
- Adultos
- Niños
- Preescolar/educacional
Existen otras categorías en las cuales pero estas son las más populares y con mayor número de producciones al año. Si estás pensando en convertirte en escritor de animación, decidir qué tipo de show quieres hacer teniendo estas variables en mente, será suficiente como punto de partida.
Siempre piensa en tu audiencia
¿Para quién estás escribiendo? Es evidente, es para el público al que la caricatura está dirigido. Adultos, niños de preescolar, toda la familia. Siempre mantén al público presente a la hora de escribir. ¿Qué les gusta? ¿Qué series y películas animadas usaste de referencia para comenzar a escribir? Tu proyecto animado debe ser leal a la audiencia.
Pero no olvides esto: primer audiencia son los editores y productores de la serie. Para poder compartir tu historia, primero tienes que encontrar quién la compre (y produzca) para poder ponerla ante los ojos del público para el que lo escribiste. En este paso, te dejamos nuestros consejos para pitchar una serie animada y conseguir el apoyo y financiamiento para poder producir tu proyecto.